Εφήμερη Τέχνη

Η δημιουργία του Nimbus NeueHouse, ενός έργου τέχνης που ανατέθηκε από τη διεθνή εταιρεία κοινόχρηστου χώρου-NeueHouse για την έκδοση 2015 της Frieze New York, αντικατοπτρίζει χρόνια πειραματισμού, μήνες σχεδιασμού και ημέρες προετοιμασίας. Ωστόσο, η προσομοίωση του ολλανδού καλλιτέχνη Berndnaut Smilde για ένα σύννεφο σωρείτων που επιπλέει στο κλιμακοστάσιο ενός κτηρίου του Μανχάταν διήρκεσε μόνο μια στιγμή. Από το 2012, όταν ίδρυσε τη σειρά Nimbus, ο Smilde είχε πραγματοποιήσει παρόμοια ατμοσφαιρικά φαινόμενα που περιέγραψε ως «προσωρινά γλυπτά σχεδόν καθόλου» και η εγκατάσταση του Nimbus NeueHouse ακολούθησε μια προσεκτικά βαθμονομημένη διαδικασία. Αφού το σύστημα κυκλοφορίας αέρα απενεργοποιήθηκε στο NeueHouse, το αυτόνομο κτίριο γραφείων που σχεδιάστηκε για την εταιρεία το 2013 από τον David Rockwell, ο Smilde και το πλήρωμά του έσπασαν το πάτωμα και τους τοίχους με νερό.Μόλις είχε επιτύχει τη σωστή ισορροπία θερμοκρασίας και υγρασίας, δημιούργησε ομίχλη με ένα μηχάνημα καπνού, επαναλαμβάνοντας τη διαδικασία έως ότου υλοποιήθηκε ένα τέλειο σύννεφο και κράτησε την αιθερική του μορφή αρκετά καιρό για να φωτογραφηθεί. Η φωτογραφία τεκμηρίωσε το αποτέλεσμα, αλλά τα μέσα ενημέρωσης του Smilde - καπνός, ομίχλη και υγρασία - έκαναν το έργο εγγενώς εφήμερο.

• 

• 

Παρά την μακροχρόνια πεποίθηση ότι η τέχνη καθορίζεται από την υλική αντοχή της - Ars longa, vita brevis - μια πτυχή της μεταβλητότητας υπήρχε πάντα στις εικαστικές τέχνες. Η πέτρα διαβρώνεται, τα μεταλλικά διαβρώματα και οι χρωστικές αλλάζουν με την πάροδο του χρόνου. Ορισμένες τεχνικές, όπως η ζωγραφική με άμμο, ενσωματώνουν την παροδικότητα στον επιδιωκόμενο σκοπό τους, αλλά από τα τέλη της δεκαετίας του 1950 ο εφήμερος έχει εμπνεύσει νέες κατευθύνσεις στη σύγχρονη τέχνη. Τα συμβάντα και τα έργα τέχνης, όπως σκηνοθετήθηκαν από τον Allan Kaprow, τον Claes Oldenburg και την ομάδα anti-art Fluxus, περιελάμβαναν περιορισμένη διάρκεια. Η καλλιτεχνική γη - στο έργο τέτοιων καλλιτεχνών όπως ο Ρόμπερτ Σμιθσον και ο Ρίτσαρντ Λονγκ - εκτέθηκαν σκόπιμα και τροποποιήθηκαν από τα στοιχεία. Αυτές οι νέες εξερευνήσεις δημιούργησαν την έννοια «εφήμερη τέχνη», έναν εγγενώς ευέλικτο όρο που τελικά εφαρμόστηκε σε ένα ευρύ φάσμα απόδοσης και εγκατάστασης,γενικά διακρίνεται από ένα μοναδικό περιστατικό ή αποτέλεσμα που επιβιώνει αποκλειστικά σε μορφή ντοκιμαντέρ. Η ίδια η λέξη, προερχόμενη από τον ελληνικό εφήμερο, που σημαίνει "διαρκεί μια μέρα", ενσωματώθηκε καλύτερα σε έργα που αυτοκαταστράφηκαν γρήγορα, όπως η κορδέλα των πετάλων 2-m (7-ft) του Andy Goldsworthy, τα οποία ήταν σταθερά μόνο από το σάλιο του και έπειτα διαλύθηκε από τον άνεμο (1984). Πρόσφατα έργα εκμεταλλεύτηκαν την αστάθεια των υλικών σε ισχυρό αποτέλεσμα. Το κολοσσιαίο γλυπτό του Kara Walker A Λεπτότητα; ή, The Marvelous Sugar Baby, ένα κομμάτι σφιγκτήρα, με το κεφάλι μιας στερεοτυπικής φιγούρας «μαμά», κατασκευασμένο από ζάχαρη και σιρόπι καλαμποκιού που επικαλύπτει έναν πυρήνα πολυστυρολίου, αποσυντίθεται σε ένα υπόστεγο με βάση το κλειστό διυλιστήριο Domino Sugar στο Ανατολικός ποταμός στο Μπρούκλιν. Καθ 'όλη τη διάρκεια του καλοκαιριού του 2014, η κοκκώδης επιφάνεια αποχρωματίστηκε,και το άρωμα της μελάσας εντατικοποιήθηκε. Όταν έκλεισε η έκθεση, το γλυπτό καταστράφηκε. λίγο μετά από αυτό το υπόστεγο κατεδαφίστηκε. Αργότερα εκείνο το έτος στο Μπέρμιγχαμ της Αγγλίας, η Βραζιλιάνος καλλιτέχνης Nle Azevedo εγκατέστησε 5.000 άντρες πάγου μικρής κλίμακας στην πλατεία Chamberlain για να τιμήσει τα θύματα των ανώνυμων αμάχων του Πρώτου Παγκόσμιου Πολέμου. Με βάση την ιδέα της σειράς Melting Men, που εγκαινιάστηκε το 2002 για να προσελκύσει Προσοχή στους κινδύνους της κλιματικής αλλαγής, η Αζέβεντο υπογράμμισε την εγγενή ανισότητα των μορφών της, μια πτυχή που ανέτρεψε τις συμβατικές υποθέσεις για τη γλυπτική του μνημείου, ενώ εμβαθύνει το οδυνηρό μήνυμα αφιέρωσής της.000 καθισμένοι πάγοι μικρής κλίμακας στην πλατεία Chamberlain για τον εορτασμό των ανώνυμων αμάχων θυμάτων του Πρώτου Παγκόσμιου Πολέμου. Με βάση την ιδέα της σειράς Melting Men, εγκαινιάστηκε το 2002 για να προσελκύσει την προσοχή στους κινδύνους της κλιματικής αλλαγής, η Azevedo υπογράμμισε την εγγενή ανικανότητα τις φιγούρες της, μια πτυχή που ανέτρεψε τις συμβατικές υποθέσεις για τη γλυπτική του μνημείου, ενώ εμβαθύνει το οδυνηρό της μήνυμα αφιέρωσης.000 καθισμένοι πάγοι μικρής κλίμακας στην πλατεία Chamberlain για τον εορτασμό των ανώνυμων αμάχων θυμάτων του Πρώτου Παγκόσμιου Πολέμου. Με βάση την ιδέα της σειράς Melting Men, εγκαινιάστηκε το 2002 για να προσελκύσει την προσοχή στους κινδύνους της κλιματικής αλλαγής, η Azevedo υπογράμμισε την εγγενή ανικανότητα τις φιγούρες της, μια πτυχή που ανέτρεψε τις συμβατικές υποθέσεις για τη γλυπτική του μνημείου, ενώ εμβαθύνει το οδυνηρό της μήνυμα αφιέρωσης.

In 2000 at the Prada Foundation, Milan, when Marc Quinn’s installation Garden was disassembled, the rare flowers—preserved in subzero silicon—were exposed to air and immediately turned black. In contrast to the stasis that Quinn sought for the duration of Garden, Berlin-based artist Paula Doepfner embraced the ephemerality of botanical materials in her 2015 solo exhibition “Take It Right Back,” at the Goethe-Institut, Washington, D.C. As the flowers in her delicate graphic works dulled and dried, their message of fragility and transience heightened. For Rebecca Louise Law’s floral installation Outside In, for the Viacom Building in New York City’s Times Square, she used 16,000 individual flowers, including thistles, peonies, ranunculus, and more than 40 varieties of roses. With the help of 200 volunteers, Law threaded the fresh blooms on copper wire to create dangling sprays that hung from two of the building’s entrances and from the visitors centre. Over the three-month installation, the bright hues darkened as oils accumulated in the downward-facing leaves and petals. Exploiting that process of natural preservation, Law planned to reuse the flowers as “encased” material in vitrines. Growth rather than decay dictated the length of Doris Salcedo’s installation Plegaria muda (“Silent Prayer”). Conceived in 2008 in response to gang violence and reprised for her 2015 solo exhibition at the Museum of Contemporary Art, Chicago, the work presented pairs of hand-crafted tables, one inverted atop the other, with a thin layer of soil between them. Over the course of the three-month exhibition, grass germinated in the soil, reaching its fullest growth at the end. For Empty Lot, the inaugural Hyundai Commission, Mexican artist Abraham Cruzvillegas asked local parks to contribute a wheelbarrow of topsoil to create a green space in the Turbine Hall of Tate Modern, London. Various soils contained different seeds, which sprouted and would grow from October 2015 until April 2016, when Cruzvillegas planned to offer the soil for recycling.

In his own exploration of the impermanence of materials, Michel Blazy gathered random objects—moldering garments, bleach-soaked paper, obsolete technical devices—and let the natural process of deterioration take its course in the spring 2015 exhibition “Pull Over Time.” Regarding the pristine white space of Paris’s Art:Concept gallery as his “laboratory,” Blazy installed the objects and explained simply, “I offer them time.” Along with expected organic and chemical reactions, a few leaves sprouted among the objects he installed. In an echo of Goldsworthy’s pioneering poppy ribbon, Cypriot artist Socratis Socratous’s Incarnation, presented at the 17th edition of the Armory Show in New York City, featured loosely baled bundles of carnations and grass placed on the floor to dry, shred, and scatter throughout the fair’s duration. David Best, who was known for the combustible structures that he had built for the Burning Man festivals in the Nevada desert, used planned destruction as a tool of reconciliation in a temple that he built in Londonderry (Derry), N.Ire., for the annual remembrance of the Siege of Derry (1688). The wooden structure, built with the help of local youths, stood for only a week but hosted 60,000 visitors, who wrote their remembrances of the “Troubles” on its gracefully carved beams and arches. On March 21, 2015, in contrast to the violence of years past, a crowd of Roman Catholics and Protestants gathered together in silent reverence as flames engulfed the temple.

With an emphasis on the momentary experience, performance art was inherently ephemeral, but in January 2015 “A Year at the Stedelijk,” at Amsterdam’s Stedelijk Museum of modern and contemporary art, raised the concept of unsettling transience to a new level. Relational artist Tino Sehgal, whose decadelong career was surveyed throughout the year via a different performance each month, declined to release a schedule and, in keeping with his practice, prohibited documentation. Once performed, the work no longer existed. Even more intriguing than the fleeting experience of action was the natural transformation of matter as proposed in August 2015 by William Kentridge for the durational installation Triumphs and Laments, which, beginning in April 2016, would unfold along a 550-m (1,804-ft) stretch of the Tiber River in Rome. Drawing upon the region’s ancient culture, the South African artist began to design 90 stenciled figures that were up to 10 m (33 ft) high to be affixed to the stone embankments flanking the river. After the walls were power washed—to remove thick layers of chemical, organic, and botanical deposits—the stencils would be removed to reveal silhouettes that they had protected. As layers of pollution accumulated, organic deposits would rebuild, and nature would reassert diverse growth, thus subsuming the figures, and the installation, in the true spirit of ephemeral art, would disappear.